Mélissa Pinon (F/VS), dialogue en peintures

• Née en 1972
• 1998 - Diplôme DNSAP, Ecole Nationale Supèrieure des Beaux Arts de Paris
  1993 - Diplôme DMA, École ESTIENNE
•  Nationalité : Française et Américaine - vit et travaille à Bruxelles, Paris et en Bourgogne
•  Membre de la Casa de Velazquez - 1er Prix de Dessin de l’Académie des Beaux Arts
•  Professeur de peinture aux Ateliers Beaux Arts de la Ville de Paris  

Valérie Labayle
Chargée des commandes et des résidences d’artistes
au Mac Val
Le propos de Mélissa Pinon est avant tout la peinture.
Dans son travail, figuration et abstraction se côtoient,
mais sans s’opposer pour autant. À l’origine de
son parcours, il y a le dessin, une formation à Paris
à l’école Estienne puis l’ENSBA (École nationale
supérieure des beaux-arts), la copie d’interprétation
des maîtres anciens, comme l’a montré le magnifique
film «Trait pour trait, de Chardin à Mélissa Pinon»
de Julien Devaux. Sa caméra a observé la formation
et le travail de l’artiste pendant dix ans, de 2001 à
2011. Un tel exercice sur un temps aussi long est
rare. La regarder travailler au quotidien permet de
comprendre le travail d’un artiste et ce qui constitue
la peinture: la palette et la touche, la surface et la
matière. La copie d’interprétation des maîtres du
passé et ses portraits figuratifs pourraient la ranger
parmi les peintres classiques. Pourtant, ses sujets
et sa manière de les traiter révèlent une acuité
d’observation de notre société contemporaine qui
l’en éloigne. Le Louvre, lieu de formation et de copie,
devient également, pour elle, un point d’observation.
Elle porte son attention sur les visiteurs du musée,
ceux qui photographient les tableaux, ceux qui
se mettent en scène près des œuvres en faisant
des selfies.
La photographie numérique est un medium devenu
accessible à tous, aux visiteurs comme à l’artiste qui
constitue un corpus de portraits dans l’espace public.
Puis, elle peint à partir de ces photos volées qui nous
parlent de sa relation à l’autre, pleine d’empathie. Elle
capte la solitude d’inconnus repérés dans la ville, la
diversité des codes vestimentaires, portant toujours
un regard empreint de sollicitude sur notre société.
Jaune en tête nous montre un jeune homme en
survêtement gris à capuche colorée, sac à dos posé
sur les genoux. L’artiste saisit un moment où il lit le
journal pendant son trajet en métro, à l’encontre
des lieux communs et préjugés liés à sa tenue.La
foule des grandes villes donne à voir une multiplicité
de vêtements, des plus courts (Désirée) aux plus
couvrants (La Chapelle). Mélissa dépeint la sensualité
des corps, celle de Désirée aux jambes nues, mais
aussi celle qui émane d’Embarazada, jeune femme
enceinte
ramenant son voile sur sa bouche, tout enlaissant
apparaître un fragment de peau et la bretelle fuchsia
de son soutien‑gorge. Tout est dans le détail à qui
se donne la peine d’observer, semble nous rappeler
l’artiste, s’inscrivant dans une «histoire rapprochée
de la peinture» telle que la définissait Daniel Arasse1.
Nous retrouvons chez Mélissa les problématiques
qui traversent cette histoire de la peinture: carnation
des peaux, focus sur des personnages parmi la foule,
flou de l’arrière-plan, reflets sur la vitre.
En peinture comme en photographie, ces arrêts sur
image extraits de leur contexte, nous rappellent
«qu’il y a une image qui manque à l’image».
L’ouvrage de Pascal Quignard Sur l’image qui
manque à nos jours2 est une référence majeure dans
la réflexion que Mélissa mène sur la peinture.
Ces images prélevées dans l’espace public nous
renvoient à l’expérience quotidienne des tranports
en commun où se remarque particulièrement la
diversité de notre société. Le corps des femmes
focalise souvent l’attention, la récurrence des débats
sur leurs vêtements en témoigne.
Mine de rien et sa déclinaison en bleu rose, gris
rose et bleu jaune évoquent le féminin, l’intime.
L’isolement et la sérialité colorée de cet élément
– inspiré d’un citron – font allusion à la fragilité,
la vulnérabilité féminine, le désir physique et les
violences subies. Pourtant les variations et les
oppositions de couleurs renforcent ou, au contraire,
affaiblissent la lisibilité du sujet: le rose et le rouge
accentuent la charge très suggestive du motif
alors que le bleu donne un caractère métallique,
plus étrange et plus difficile à identifier. L’analogie
sexuelle se retrouve dans les objets posés au sol:
Ors dedans montre le positif et négatif d’un citron,
l’un en bronze, l’autre en silicone. La vivacité du
jaune renvoie aux vibrations colorées de Jaune en
tête ou de Jaune citron et donne à voir la sculpture
d’une peintre.
Les dernières peintures abstraites de Mélissa,
réalisées pendant l’été 2016, ne rompent pas avec
son travail figuratif, mais explorent à nouveau la du

portrait de La Chapelle et de la toile abstraite
à 4 éclaire les recherches de l’artiste: dans les
deux cas, la peinture est constituée de couleurs et
de formes sur une toile. Le point de départ est le
même, la construction d’une structure qui va relier
des formes et des couleurs au format de la toile.
Le travail de l’artiste fait écho à la célèbre définition
de Maurice Denis «Se rappeler qu’un tableau, avant
d’être un cheval de bataille, une femme nue ou
une quelconque anecdote, est essentiellement une
surface plane recouverte de couleurs en un certain
ordre assemblées. »3 Boucle et contre-rocking met
en lumière la passi

1. Daniel Arasse, Le détail, pour une
histoire rapprochée de la peinture, Paris,
Flammarion, 1992
2. Pascal Quignard, Sur l’image qui
manque à nos jours, Arlea, 2014
3. Maurice Denis in Art et critique, 1890

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Valérie Labayle
Commissie- en Artist Residencies Manager
bij Mac Val
Mélissa Pinons eerste focus ligt op schilderen.
In haar werk bestaan figuratie en abstractie naast elkaar, maar zonder elkaar tegen te spreken. Haar carrière begint met tekenen, een opleiding in Parijs aan de École Estienne en vervolgens de ENSBA (École nationale supérieure des beaux-arts), en het interpreteren van kopieën van oude meesters, zoals te zien is in de magnifieke film "Trait pour trait, de Chardin à Mélissa Pinon" van Julien Devaux. Haar camera observeerde de opleiding en het werk van de kunstenaar gedurende tien jaar, van 2001 tot 2011. Zo'n oefening over zo'n lange periode is zeldzaam. Door haar werk dagelijks te observeren, kunnen we het werk van een kunstenaar begrijpen en wat schilderen inhoudt: het palet en de penseelstreek, het oppervlak en het materiaal. Haar interpretatieve kopieën van oude meesters en haar figuratieve portretten zouden haar kunnen scharen onder de klassieke schilders. Haar onderwerpen en haar benadering ervan verraden echter een scherpe observatie van onze hedendaagse maatschappij die haar ervan distantieert. Het Louvre, een plek van opleiding en kopiëren, wordt ook een observatiepunt voor haar. Ze richt haar aandacht op museumbezoekers, degenen die de schilderijen fotograferen, degenen die bij de werken poseren door selfies te nemen. Digitale fotografie is een medium dat voor iedereen toegankelijk is geworden, zowel voor bezoekers als voor de kunstenaar die een reeks portretten maakt in de openbare ruimte. Vervolgens schildert ze naar aanleiding van deze gestolen foto's die spreken over haar empathische relatie met anderen. Ze legt de eenzaamheid vast van vreemden die ze in de stad ziet, de diversiteit aan dresscodes, en werpt altijd een aandachtige blik op onze maatschappij. Yellow in the Head toont ons een jongeman in een grijs trainingspak met een kleurrijke capuchon, een rugzak rustend op zijn knieën. De kunstenaar legt een moment vast waarop hij tijdens zijn metroreis de krant leest, en gaat daarmee in tegen de gemeenplaatsen en vooroordelen die met zijn kleding gepaard gaan. De menigten in grote steden onthullen een veelheid aan kledingstukken, van de kortste (Désirée) tot de meest onthullende (La Chapelle). Mélissa verbeeldt de sensualiteit van lichamen, die van Désirée met blote benen, maar ook die van Embarazada, een jonge zwangere vrouw die haar sluier over haar mond trekt en een stukje huid en het fuchsia bandje van haar bh onthult. Alles zit in de details voor wie de moeite neemt om te kijken, lijkt de kunstenaar ons eraan te herinneren, die zich aansluit bij een "nauwe geschiedenis van de schilderkunst" zoals gedefinieerd door Daniel Arasse. In Mélissa's werk vinden we dezelfde thema's terug die door deze geschiedenis van de schilderkunst heen lopen: de teint van de huid, de focus op figuren in een menigte, de vervaging van de achtergrond, reflecties op het raam. In de schilderkunst, net als in de fotografie, herinneren deze stilstaande beelden, losgemaakt van hun context, ons eraan dat "er een beeld ontbreekt in het beeld". Pascal Quignards boek, On the Image Missing Today, is een belangrijke referentie in Mélissa's reflecties op de schilderkunst. Deze afbeeldingen, afkomstig uit de openbare ruimte, voeren ons terug naar de dagelijkse ervaring van het openbaar vervoer, waar de diversiteit van onze samenleving bijzonder opvallend is. Vrouwenlichamen trekken vaak de aandacht, zoals blijkt uit de terugkerende discussies over hun kleding. "Minde rien", met zijn variaties in roze-blauw, roze-grijs en geel-blauw, roept het vrouwelijke en het intieme op. De isolatie en kleurrijke serialiteit van dit element
– geïnspireerd door een citroen – verwijzen naar fragiliteit, vrouwelijke kwetsbaarheid, fysiek verlangen en het geleden geweld. Toch versterken of verzwakken de kleurvariaties en -contrasten de leesbaarheid van het onderwerp: roze en rood accentueren de zeer suggestieve aard van het motief, terwijl blauw een metaalachtig karakter verleent, vreemder en moeilijker te identificeren. De seksuele analogie is terug te vinden in de objecten die op de vloer liggen: Ors dedans toont het positieve en negatieve van een citroen, de ene in brons, de andere in siliconen. De levendigheid van het geel echoot de kleurvibraties van Yellow Head of Lemon Yellow en onthult de sculptuur van een schilder. Mélissa's nieuwste abstracte schilderijen, gemaakt in de zomer van 2016, breken niet met haar figuratieve werk, maar verkennen juist de kruising van het portret van La Chapelle en het abstracte doek. Het vierdelige werk belicht het onderzoek van de kunstenaar: in beide gevallen bestaat het schilderij uit kleuren en vormen op een doek. Het uitgangspunt is hetzelfde: de constructie van een structuur die vormen en kleuren verbindt met het doekformaat. Het werk van de kunstenaar weerspiegelt de beroemde definitie van Maurice Denis: ...